J’ai vu un film japonais en avant-première, qui sera connu en France sous le nom Ne coupez pas !. Et pour moi, c’est un 10/10, pourtant c’est rare !
C’est un vrai phénomène qui sort en France le 24 avril 2019.
Ne coupez pas ! est une comédie d’horreur japonaise expérimentale de Shin’ichirō Ueda sortie en 2018 au Japon, programmée à l’origine dans deux salles, et qui est devenue le plus gros succès du cinéma indépendant japonais. Tourné avec un budget de 27 000 $, il a déjà fait près de 15 millions de dollars de recettes.
Critique
Quand on m’a contacté pour me proposer de voir le film en avant-première, je suis parti avec de gros préjugés : je ne suis pas un grand fan du cinéma japonais, et encore moins de films d’horreur. En plus, on m’a prévenu de rester au moins passée la première demi-heure parce qu’elle avait ennuyé beaucoup de critiques qui n’avaient pas regretté de rester.
Bon.
Et puis finalement, même la première demi-heure m’a accroché. J’ai eu du mal à voir où l’œuvre se plaçait entre comédie et parodie, mais l’élément majeur du film est que ses 36 premières minutes sont un gigantesque plan-séquence. Et je ne tarirai pas d’éloges à ce sujet : c’est proprement incroyable.
Pendant 36 minutes, il y a un fil scénaristique et un propos : la folie qui s’exprime par divers pétages de plombs, qu’ils soient romantiques ou obsessionnels. Mais ce propos… n’est pas le propos.
Pendant 36 minutes, une seule caméra tourne, et tout le temps. Autour d’elle s’agitent les acteurs, dont la performance est aussi sportive que filmique compte tenu de la distance qu’ils parcourent. Le timing doit être respecté à la seconde près, les effets soit loin d’être chiches, et il y a une sacré quantité de répliques. Comme au théâtre, alors ? Oui, sauf que tout bouge, y compris le caméraman (cœur sur lui), qui fait le lien entre la fiction et la réalité… mais quelle réalité au juste ?
Le film fourmille tellement que je n’ai même pas encore pris le temps de parler de l’histoire (attention spoilers) : une équipe réalise un film sur les zombies avant de se rendre compte que des zombies les attaquent vraiment. Une confusion volontaire entre les faux et les vrais zombies : c’est là que se jouent les deux premiers niveaux du scénario. Et l’on comprendra pourquoi l’on peut être lassé de cette première partie, même si je n’y ai vu moi-même qu’une surhumaine performance ; en effet, elle tient du cinéma amateur. D’ailleurs, tout y est cheesy, le maquillage est trop présent, il y a des longueurs et des faux raccords. Mais avant de les intégrer dans une critique qu’on croit définitive quand on prend note de tout cela, il faut compter sur les autres niveaux du scénario.
Après ces 36 minutes vient le bridge ; j’ai eu du mal à me raccrocher aux wagons avec lui, mais c’est là que le scénario s’époussette afin d’articuler le mélange des genres : comédie, parodie, horreur, mais aussi expérimental. C’est donc un mal mineur et nécessaire. Après ces 36 minutes, un bond en arrière d’un mois nous montre ce qui a mené à la réalisation du moyen-métrage (ces 36 minutes qu’on vient de voir) : on découvre les personnages sous leur vrai visage. C’est le troisième niveau du scénario, et il va justifier la demi-heure suivante. Les protagonistes y deviennent attachants, chacun à leur manière, et l’idée tombe sur les épaules d’un petit réalisateur japonais (joué par un Takayuki Hamatsu tout à fait génial) : faire un film de zombies en une prise et avec une seule caméra.
Vous la sentez venir, la filmception en cascade ? Ça paraît abscons, présenté comme ça, pourtant le film ne cesse d’être limpide.
Après une demi-heure plus « standard » et humaine, on revient sur les lieux du tournage, cette fois-ci avec des éléments en plus : on sait qui sont les personnages, et pourquoi ils font ce film. On ne s’en rend pas compte au visionnage, mais les trois niveaux du scénario (le film de zombies, le tournage du film de zombies et le tournage du tournage du film de zombies) restent mélangés dans notre esprit pour nous rappeler que c’est un film brillant, si on ne s’en était pas déjà rendu compte. Il faut suivre, mais il suffit en fait pour ça de ne pas s’endormir.
La dernière demi-heure va donc retracer le tournage, cette fois-ci du point de vue de l’équipe. On va découvrir que les 36 minutes avec une seule caméra étaient filmées par une deuxième caméra (logique puisqu’on en voit les coulisses). Le tout prend des airs de making of, et ce qu’on avait admiré dans la première demi-heure (timing, effets…) prend doublement du sens (ou, dans le cas où vous n’auriez pas aimé, la met en profondeur). Mais surtout, on va avoir le plaisir de voir se démêler les filmceptions : les faux raccords des 36 minutes ? Des faux faux raccords ! Les longueurs ? Des fausses longueurs !
Tout ce qui faisait relativiser la qualité de la première partie se révèle avoir été volontaire, exposant le génie du réalisateur tout en nous confrontant de la plus belle manière à notre propre suspension consentie de l’incrédulité. C’est un véritable cours de cinéma qui contient ses propres valeurs et son propre making of, qui fait rire et qui étonne. Avant tout, One Cut of the dead nous rend conscient de son tournage, et j’ai autant adoré l’histoire que de voir comment elle a vu le jour, car à aucun moment je n’ai eu l’impression que la technique l’emportait sur l’histoire ou vice-versa ; je me suis éclaté de bout en bout (le bridge exclu).
À ce stade du visionnage, j’étais déjà complètement ébourrifé, pourtant je n’étais pas au bout de mes surprises. Au générique, on revoit les mêmes scènes filmées par une troisième caméra, montrant que la façon dont le film de zombies (premier tiers du film) était censé être filmé (troisième tiers) n’était même pas conforme à la façon dont le vrai film (les trois tiers à la fois) a été fait en réalité…
La difficulté de concevoir un tel film me dépasse totalement, et j’en arrive à douter de pouvoir mettre du sens dans ces niveaux scénaristiques qui se mélangent. Est-ce que les faux faux raccords de la première demi-heure étaient tous voulus, ou bien étaient-ils parfois de vraies erreurs, incorporées ou non dans le scénario ? Le film fait réfléchir, et il nous fait aimer la réflexion.
Conclusion
Le scénario de cet OVNI a été écrit avec une intelligence qu’on croirait étrangère à tout autre cinéma. Le film a été conçu avec un génie absolu du timing. Il a transformé ses caméramans et ses acteurs en marathoniens, sans jamais perdre de vue son propos ni son scénario. Il a été imaginatif, a su exploiter chaque sou du budget à la perfection pour équilibrer la comédie, l’horreur et l’expérimental d’une manière qui soit cheesy mais attachante et ne paraisse jamais trop amateur. Il a su gérer la technique pour qu’elle prime sur le reste sans jouer des coudes, pour que le film soit un cours de cinéma transcendant totalement l’idée de l’imperfection.
M’eussiez-vous mis sur le plateau de tournage, que ce soit en tant qu’acteur, caméraman ou scénariste, j’aurais perdu le fil en cinq minutes. Pourtant, j’ai vu le film, je l’ai adoré, et jamais je ne me suis senti confus. Il a toute mon admiration. Arigatō gozaimasu!